БЛОГ

Назад к списку

Наталия Батарага. Эксклюзивное интервью для галереи ArtAlea

До того, как стать профессиональным искусствоведом, Наталия много лет проработала в банковской сфере и является профессиональным экономистом. Поэтому, мнение Наталии Батараги о современном искусстве особенно ценно, так как она может судить как о художественном качестве произведений искусства, так и его экономической и финансовой ценности.

 

- Наталия, у Вас очень интересная биография. Вы проработали 9 лет в банковской сфере, но потом уволились с руководящей должности, ушли учиться по специальности искусствоведение. Как Вы поняли, что хотите связать свою жизнь с искусством и что в этой сфере Вас так зацепило, что Вы пошли на такой смелый шаг?

"Однажды в Лувре, меня удивило, что толпы зрителей стоят у Моны Лизы, но никто не обращает внимания на другое гениальное полотно Леонардо""
 

- Я всегда любила искусство, мне всегда нравились арт-пространства и их атмосфера. Все мои поездки, в большинстве своем, это обязательное посещение музеев или определенной выставки. Когда у меня еще не было профессионального образования в этой сфере, у меня был список картин, которые мне нужно обязательно посмотреть в оригинале. Убеждена, что все произведения искусства нужно смотреть только в оригинале. Список с каждым годом только пополняется, несмотря на то что вычеркнуто из него уже очень много. Каждый год я составляла и составляю себе список значимых выставок, которые мне обязательно нужно посетить.

Однажды в Лувре, меня удивило то обстоятельство, что толпы зрителей стоят у Моны Лизы, но никто не обращает внимания на другое гениальное полотно Леонардо и мне кажется, что именно в этот момент я решила пойти учиться на искусствоведа. Изначально я не планировала связать с этим жизнь, это была просто попытка структурировать свои знания, побыть в определённой атмосфере, послушать выдающихся преподавателей. Дело в том, что у меня постоянная бешеная тяга к знаниям. Начиная с первого класса у меня не было периода, чтобы я не училась в каком-либо университете, я - ботан!

Я работала в банке, по вечерам училась, шесть дней в неделю в течении трех лет, и когда настало время писать диплом – пришлось выбирать: либо диплом, либо работа, так как я выбрала очень сложную тему, на стыке психологии и искусства «Галлюцинаторная образность в работе Яёи Кусамы. Про эту художницу мало кто знал в России, несмотря на то, что Гараж показал ее выставку. И выбор был сделал в пользу искусства и вот теперь можно сказать, что я уволилась с работы с руководящей должности, чтобы написать диплом.
 

Яёи Кусама

Насколько это смелый шаг - не знаю. Я живу по таким принципам - «лучше попробовать, чем потом сожалеть», «лучше заниматься любимым делом, чем заниматься тем, что не приносит тебе удовольствия» (прим. хотя свою работу я любила, просто в какой-то момент поняла, что это не то с чем мне хочется связывать свою дальнейшую жизнь). Просто к этому нужно прийти, попробовать и если ты точно знаешь, что это твое, то обязательно все получится. Не нужно боятся, нужно делать, в ином случае жизнь превратиться в вечное страдание и неудовлетворение, потому что ты находишься не на своем месте. 
 

- Можно ли утверждать, что современное искусство влияет на мир моды? И на сколько значительно это влияние, на ваш взгляд?

"Даже такие консервативные музеи как Лувр открывают свои двери и сотрудничают с масс-маркетом"
 

- Если рассматривать глобально, то я бы сказала, что классическое искусство больше влияет на моду, но тем не менее и современное искусство тоже оказывает влияние. И мы наблюдаем сейчас, что огромное количество художников сотрудничают с модными домами. В настоящее время границы между музеем, художником и модой стираются.  Модные дома привлекают менеджеров из арт-институций. Музеи, даже такие консервативные как Лувр открывают свои двери и сотрудничают не только с гигантами моды, но и масс-маркетом (это я сейчас говорю про Uniqlo). Или Пушкинский музей делает проекты с дизайнерами. Мы наблюдаем как модные дома организуют арт-институции -  Фонд Prada, Fondation d’entreprise Hermes, Фонд Louis Vuitton и многие другие. Или искусство и мода взаимодействуют на ярмарках современного искусства - модные дома готовят коллекции и арт проекты к этому событию. То есть происходит сотрудничество на всех фронтах.
 

- Насколько важна степень участия художника в коллаборациях с модным домом? Например, Сен-Лоран самостоятельно использовал работу голландского абстракциониста Мондриана для реализации своих творческих замыслов.
 

Ив Сен-Лоран. Коллекция "Мондриан"
 

- Нельзя сказать, что Сен-Лоран и Мондриан это коллаборация, ибо первый самостоятельно, без участия художника использовал работу для реализации своей задумки. Это такая рефлексия, творческий акт с использованием «Композиция с красным, желтым и синим». Если мы вспомним знаменитый союз Эльзы Скиапарелли и Сальвадора Дали, который специально для нее нарисовал омара для созданного ее вечернего платья из органзы или  художник подсказал дизайнеру сумки-телефоны, шляпки-туфли, то здесь мы говорим именно о «коллаборации».

Сегодня же, когда происходит сотрудничество между модным домом и художником, это уже не что-то уникальное. И степень участия в проекте равнозначна для двух сторон: художники расширяют свою аудиторию, бренды показывают покупателю, что они не просто про одежду. 
 

- В чем принципиальная разница между принтом Леонардо да Винчи на футболке, и например мужской коллекции Dior осень-зима — 2021 с участием художника Питера Дойга?
 

По большому счету нет принципиальной разницы, если мы говорим только о способе показать искусство в моде. И там и там - принт на одежде. Просто в случае DIOR Питер Дойг занимался еще и оформлением площадки, а не только дизайном вещей, а принцип такой – же: художник взял свои работы и часть изображений перенес на одежду для DIOR.
  

- Может ли модная коллекция быть арт-высказыванием?

"Ему удавалось уместить в показ целое театральное представление с аллюзиями, метафорами и глубоким смыслом"
 

- Безусловно!!! Достаточно вспомнить гениальные работы и показы Alexander McQueen. Ему удавалось уместить в показ целое театральное представление с аллюзиями, метафорами и глубоким смыслом. Или легендарный Ли Бауэри, работы которого, кстати, цитировали Rick Owens и Alexander McQueen. Или когда Вирджил Абло в 2017 году показал мужскую коллекцию Off-White на Pitti Uomo и устроил грандиозное шоу совместно с Дженни Хольцер. Для показа она спроецировала на заднюю часть подиума строки из стихотворений Анны Свирщинской, написанных во время Варшавского восстания, рядом с текстами писателей с восточными корнями, в том числе американца сирийского происхождения. Это отличный пример, как мода может реагировать на состояние общества, в котором она существует.
 

Вирджил Абло

- Кто целевая аудитория модных коллекций, созданных совместно с современностями художниками? Можно сказать что это те же самые люди, кто охотно приобретает произведения искусства?
 

- Я бы не утверждала именно так. Это могут быть и люди, которые приобретают произведения искусства и покупатели, которые не коллекционируют. Это такая возможность приобрести уникальную вещь, ограниченным тиражом, приобретая ее прикоснуться к прекрасному и получить в свой гардероб не просто вещь, а нечто большее. 
 

- Чем принципиально отличается модная вещь, созданная в коллаборации с художником? И что получает человек, приобретающий ее?

"Носить авторские вещи намного интереснее. Ты можешь их не просто носить, но при случае и поговорить об искусстве, рассказать о художнике"

- Смотря какая модная вещь ибо, например, вещи созданные IRIS VAN HERPEN это уже «произведение искусства», а когда она сотрудничает с художником ЭНТОНИ ХОУ и на выходе получаются невероятные кинетические платья - это уже «произведения искусства» в квадрате. 
 

Фрагмент из шоу Ирис Ван Херпен совместно с американским скульптором Энтони Хоу в рамках парижской Недели Высокой моды

Когда, платье Сен-Лорана, в которых он процитировал Мондриана появились на обложке VOGUE, обозреватель New York Herald Tribune Джейн Тамарин писала следующее: «Если вам надоест их носить, вы в любой момент можете повесить их на стену». Вот собственно и ответ. Носить авторские вещи, мне кажется намного интереснее, ты можешь их не просто носить, но при случае и поговорить об искусстве, рассказать о художнике и тд) Плюс, мне кажется, сегодня ручной труд очень ценится, людям надоело покупать просто вещи, хочется уникальности. И модные дома это понимают, именно поэтому сегодня огромное количество брендов стремятся к коллаборациям с  художниками, понимая какое это преимущество.   
 

- В чем выгода от сотрудничества художников и дизайнеров? Чем они реально полезны друг другу?

"В бизнесе выгода всегда одна - это деньги"

- В бизнесе выгода всегда одна - это деньги. Художникам  нужно демонстрировать свои работы более широкой публике, а модные дома позиционируют себя, что они не просто про одежду. Это такой инфоповод: привлечь к искусству клиентов бренда и показать нового художника. Дизайнеры повышают таким образом ценность своего продукта, пытаются придать более значимый статус, формально приравняв её к категории высокой культуры. 
Когда ты молодой художник и тебе нужно заявить о себе, расширить аудиторию, попробовать себя в чем-то новом - то коллаборация с модным домом это хорошая возможность показать себя. Вряд ли мы когда-нибудь услышали бы про Тревора Эндрю, который теперь работает на GUCCI. 

Когда ты художник мирового уровня, например, как Джефф Кунс, Такаси Мураками или Яви Кусама, то обе стороны заинтересованы в коммерчески перспективном сотрудничестве. На мой взгляд, такое сотрудничество нужно создавать, когда есть настоящий творческий обмен с двух сторон ибо дизайнеры вполне могут существовать без художников, как и художники без дизайнеров.
 

-В какой момент продукция индустрии моды (платье или аксессуар) может перейти в разряд современного искусства?

- Сложный вопрос, который постоянно обсуждается. И честно говоря, совершенно невозможно на него ответить кратко. Взаимодействие между одеждой и искусством очень сложное. Всегда считалось, что только когда «вещь» попадает в музейную институцию - она становится произведением искусства. С другой стороны, когда дизайнер вручную отделывает вещь вышивкой или аппликацией и она индивидуальна, в принципе она тоже может считаться произведением искусства. До какого-то момента считалось, что искусство это индивидуальность и неповторимость. Энди Уорхол показал нам, что это не так.

В 60-х годах появилось понятие «носимое искусство» (Wearable art) - создание предмета одежды или аксессуара, отличающегося художественной значимостью.  Мода от-кутюр, которая создается вручную, может рассматриваться как искусство, но это не уникальный предмет, хотя опять же Энди нас убедил в том, что уникальность теперь не главное. Конечно, то, что модные выставки стали проводиться в музеях, несомненно способствовало стиранию границы между искусством и модой. Обычно под понятием «искусство» понимается ограниченное число произведений элитарной культуры. Мода, напротив, в первую очередь воспринимается как индустрия (даже когда в ней явно присутствует элемент творчества) и неотъемлемая часть повседневной жизни. Поэтому однозначно на этот вопрос ответить сложно, эта тема заслуживает более расширенного и детального дискурса.

Знакомясь с миром искусства через призму мнения таких крупных экспертов, как Наталия Батарага, начинаешь осознавать, как глубоко искусство проникло в нашу повседневную жизнь. То, что раньше было элитарным и недоступным, как в изобразительном искусстве, так и в моде, сегодня приобретает массовый характер и становится доступным более широкому кругу людей. Сегодня, уникальное платье может оказаться произведением искусства, достойным быть выставленным в музее на выставке. Главное, чтобы во всем присутствовало творчество, как неотъемлемый механизм человеческого существования.